Artistas

Escultor. Com descendência africana e indígena, começou a trabalhar aos dez anos de idade em diversas ocupações, inclusive como mineiro em uma caieira. Em 1947, tornou-se vigia no estúdio de Mário Cravo Jr., onde manifestou pendor artístico e começou a produzir suas próprias obras em 1953.

Suas primeiras esculturas já manifestavam um forte poder expressivo e uma estética que se aproximava da arte tradicional africana, muito embora ele nunca a tivesse estudado – alguns críticos chegaram a atribuir essa semelhança a uma memória ancestral atávica. Pierre Verger lhe apresentou fotografias de esculturas africanas, de onde Agnaldo adotou a técnica de impregnar a madeira com substâncias pretas, aproximando-se ainda mais da escultura africana. Sua primeira exposição individual lhe valeu uma comissão para viajar à região do rio São Francisco, lá conheceu escultores populares de carrancas e estudou com Francisco Biquiba dy Lafuente Guarany. Participou, em vida, de exposições coletivas no Salão Baiano de Belas Artes em 1956 (onde obteve medalha de prata), na IV Bienal de São Paulo, em 1957, e no Salão Nacional de Arte Moderna do Rio de Janeiro de 1959 e 1961.

Sua primeira exposição individual ocorreu em 1957, na Petite Galérie, do Rio de Janeiro. Obteve, postumamente, o prêmio de escultura na exposição do I Festival de Artes Negras, em 1966 em Dacar, com a obra Rei. Sua obra é preponderantemente antropomórfica, esculpida em madeira de ipê, jaqueira, pau d'arco e cedro, com temáticas relativas à maternidade, ao catolicismo e à religiosidade afro-brasileira. Se o crítico José Teixeira Leite ressaltou sua continuidade com a escultura africana, Clarival do Prado Valladares destacou suas múltiplas influências, afirmando que suas figuras "se aproximavam, de uma parte, dos arquétipos da cultura tribal africana, na medida em que estes encerram em si um simbolismo da fecundidade, do rito da morte e do rito agrário, e, de outra parte, dos protótipos da iconografia católica medieval, tais como se manifestam no Brasil através das obras dos santeiros do século XVII". Lélia Coelho Frota também destaca a presença de "sobrenatural afro e também de imaginário transculturado com o do catolicismo". Assim como ela, Francisco Ramos Neto caracterizou Agnaldo como "original, espontâneo, numa palavra, absolutamente único".

Almir Mavignier começou a pintar no Rio de Janeiro em 1945 e após quatro anos de estudo passou a explorar o abstracionismo. Em 1951 vai para a Europa onde se estabelece em Paris, começando a trabalhar com pinturas concretas. No ano seguinte participa do “Salon des Réalités Nouvelles” e muda-se para a Alemanha, neste período frequenta as aulas de Max Bill no Hochschule für Gestaltung em Ulm.

A partir de 1956, Mavignier realizou experiências com Op Art, criando seus primeiros trabalhos monocromáticos. Nos anos seguintes o artista participou de diversas exposições importantes, entre elas a Bienal de Veneza (1964) e a Documenta III de Kassel (1964 e 1968).

Além de sua atividade como artista, Mavignier passa a atuar como professor no Staatliche Hochschule für Künste em Hamburgo a partir de 1965. A partir daí Mavignier tem participado de diversas exposições coletivas e individuais no mundo todo.

A sutileza do pensamento e da imaginação plástica de Almir Mavignier vai muito além de uma simples geometria, ele faz dos seus elementos plásticos um turbilhão de sensações eletrizantes pela progressão das linhas e dos pontos numa relação dinâmica da forma e da grandeza métrica e da imaginação plástica, puramente plástica.

Pintor e escultor. Atuou como integrante do Batalhão Suez no Egito em 1962, visitando também países europeus. No ano de 1964, fixou residência em Milão, onde trabalhou com Pomodoro, Fontana e Baj e realizou, em 1965, sua primeira exposição individual. De volta ao Brasil em 1974, estabeleceu-se em Cabo Frio/RJ. A partir de 1965, participou de mostras coletivas (na Itália, na Inglaterra e na Iugoslávia) e realizou exposições individuais na Itália, Austrália, Bélgica e em diversas cidades brasileiras.

A princípio, influenciado por artistas europeus e norte- americanos, praticou um estilo construtivista, com jogos ópticos e referências à visualidade urbana e usando materiais como madeira esmaltada, aço inoxidável e acrílico. A partir da década de 1970, estabeleceu um diálogo com a estética indígena brasileira (sendo o próprio artista de ascendência indígena), passando a empregar materiais como palha, peles, plumagens, miçangas e bambus. Roberto Pontual afirmou que “o refinamento, a elegância e o asseio tecnológico de antes se fundiram, agora, a um contraponto ritualístico [...]. Passado e presente, arcaísmo e civilização, tribo e cidade ali novamente se reagrupam.” Para Jaime Maurício, “consciente de que o índio brasileiro utilizou em sua atividade artística recursos e inspiração comuns à arte de outros povos – funcionalidade, simetria, ritmo, respeito às peculiaridades dos materiais usados – Ramosa sabe que pode mostrar-se indianista sem rejeitar o que há de mais sofisticado em sua experiência européia. [...] Sem lançar manifesto antropofágico, Edival Ramosa faz um campeão do arsenal rítmico, mágico, cromático e místico da cultura afro-indianista de sua terra e de seu sangue, apresentando-o numa aura que confere a este arsenal plena circulação universal”.

Estudou gravura com Mário Cravo e desenho com Juarez Paraíso na Escola de Belas Artes da Universidade Federal da Bahia (UFBa).

Gravador. Neto do pai-de-santo Procópio de Ogunjá, de quem deveria ter sido o herdeiro  espiritual, estudou gravura e pintura na Escola de Belas Artes da Universidade Federal da Bahia.   a expor em 1958, mas sua carreira artística foi interrompida pela morte prematura, aos 33 anos de idade. Atuou também como consultor técnico para assuntos afro-brasileiros no filme Barravento, de Glauber Rocha (lançado em 1962). Em vida, participou do VIII Salão Nacional de Arte Moderna (1959) e do Festival Universitário de Arte de Belo Horizonte (1960), no qual foi agraciado com o terceiro prêmio de gravura. Realizou sua primeira mostra individual no Museu de Arte Moderna da Bahia, em 1961. No ano seguinte, o mesmo museu realizou uma apresentação póstuma de sua obra, e um dos seus trabalhos foi incluído na I Bienal Nacional de Artes Plásticas, em 1966 em Salvador. Sua produção é composta por um conjunto de xilogravuras cujo número não ultrapassa 50, dedicadas principalmente a temáticas relacionadas ao universo do candomblé. Destacam-se as representações de pejis (espaços sagrados onde se depositam os objetos rituais relacionados aos orixás) e das iaôs (sacerdotisas do candomblé, consagradas às divindades). Para o crítico Clarival do Prado Valladares, "sem o saber", Hélio de Oliveira "renovou a organização compositiva da 'natureza-morta', ao fazer na lâmina de madeira os pegis dos orixás, de intenso caráter místico e simbolismo. Renovou também o dificílimo problema da composição com figuras em cenas místicas.”.

Iniciou suas atividades como pintor autodidata a partir de 1937. Trabalhou como restaurador na Diretoria do Patrimônio Histórico e Artístico Nacional no Rio de Janeiro. Em 1943, fez parte da mostra em homenagem à Real Força Aérea Britânica em Londres (Inglaterra). Em 1951, ganhou o Prêmio Aquisição na I Bienal de Artes de São Paulo, com a obra A Moenda – atualmente integrada ao acervo do Museu de Arte Contemporânea da USP (São Paulo) –, e expôs suas obras em uma Sala Especial na II Bienal (1953). Além de participar também das Bienais de 1961 (VI edição) e a de 1979 (XV edição). Realizou 6 exposições individuais, sendo que sua primeira foi realizada em 1959 e outras 7 póstumas (entre 1967 – 1984). Tanto no Brasil quanto no exterior Heitor dos Prazeres conquistou unanimidade em relação à qualidade de suas obras, sendo chamado para cerca de 30 mostras coletivas. As temáticas preferidas de suas pinturas era a vida cotidiana e as festividades que envolviam a música popular. Além de pintor, Heitor dos Prazeres também foi cenógrafo do Balé do IV Centenário, poeta, compositor e músico (tocava piano, violão e cavaquinho). Em parceria com o sambista Noel Rosa (1910-1937), compôs Pierrot Apaixonado, famosa marcha carnavalesca de 1935. Foi também um dos fundadores das primeiras escolas de samba cariocas (Estação Primeira de Mangueira e “Vai como Pode”, hoje Portela, na década de 20). É pai do multi-instrumentista Heitorzinho, que seguiu a trilha do samba herdado de seu pai.

Pintor autodidata. Em razão de ser filho de uma tecelã chamada Dometila, ficou assim conhecido como José de Dome. Residiu em Salvador, onde conheceu Mário Cravo, Mirabeau e Carybé, que o incentivaram a desenvolver seu talento artístico. Sua primeira exposição, realizada em 1955, ocorreu no Belvedere da Sé, onde voltou a expor em 1956 e 1958. Transferiu-se para o Rio de Janeiro, em 1962, integrou-se aos meios artísticos cariocas. Tornou-se conhecido após uma exposição realizada na Galeria Goeldi, em 1964. Radicou-se em Cabo Frio, ambiente ideal para suas pinturas, e só ausentava-se da velha cidade colonial por ocasião de suas várias exposições, inclusive em Lima (1966), e em Londres (1971). Pintou a paisagem urbana de Salvador, crianças, prostitutas, peixes e corujas, flores, paisagens e marinhas.

Aos 20 anos de idade, deixou sua terra natal para trabalhar como empregada doméstica em Salvador, São Paulo e Rio de Janeiro. Trabalhou também em Petrópolis como cozinheira de Elizabeth Bishop e Lota Macedo Soares, que a incentivou no ofício da tapeçaria quando a presenteou com as agulhas e linhas de lã com que fez suas primeiras peças.

Em depoimento a Lélia Coelho Frota, que analisou seu trabalho pela primeira vez no ensaio Mitopoética de nove artistas brasileiros (1975), referia-se aos seus “quadros de lã trabalhados com cento e cinquenta e quatro agulhas, que levam uma hora olhada no relógio para enfiar de diversas cores”. Assim, usava as cores como tintas de uma paleta em pinceladas sobre a estopa ou a talagarça e seu desenho nítido tem uma ordem inegável de ritmos e cores. Reatando os fios de uma memória ancestral, suas tapeçarias criam narrativas que se abrem para o tempo do sonho, da lenda e do mito. A temática rural é recorrente em suas obras.

 Pintora, desenhista, gravadora, ilustradora, figurinista, cenógrafa. Reside em Porto Alegre desde 1950. Na década de 1960, cursa artes plásticas (1963/1967) e pós-graduação em pintura (1967/1968) na Escola de Artes da Universidade Federal do Rio Grande do Sul - UFRGS. Realiza sua primeira exposição individual em 1966, na Galeria Espaço. Em 1974, faz o curso de aperfeiçoamento em litografia, no Ateliê Livre da Prefeitura Municipal de Porto Alegre. Participou de inúmeras mostras individuais e coletivas.

Segundo Márcio Martínez, Maria Lídia é uma artista “Avessa a comercialismos, em sua obra privilegia a figura humana: a luta e o dilaceramento da mulher, o homem e as privações da vida social, entre outros temas, são expressos de maneira pungente e radical. Realizou ilustrações para livros e jornais, cenários e figurinos para teatro.”- EXPRESSIONISMO no Brasil: heranças e afinidades. São Paulo: Fundação Bienal de São Paulo, 1985.

Fonte: Mestredidi.org

Escultor e sacerdote. Foi em 1925 que o menino de oito anos Deoscóredes foi iniciado no culto aos ancestrais (Egungun) da tradição iorubá na Ilha de Itaparica/BA. Carinhosamente tornou-se conhecido como “Mestre Didi”. É um herdeiro da grande tradição do reinado de Ketu, saber recebido da “vaidosa senhora de melindres e delicados gestos”, dona Maria Bibiana do Espírito Santo, mais conhecida como Mãe Senhora. Publicou vários livros sobre a cultura iorubá, cinco dos quais em parceria com a antropóloga Juana Elbein dos Santos, sua esposa.

Em 1964, realizou a primeira de suas várias exposições individuais realizadas tanto no Brasil quanto no exterior, incluindo, em 2009, Mestre Didi: o escultor do sagrado – homenagem aos 90 anos, no Museu Afro Brasil (São Paulo). São mais de 30 exposições coletivas, entre as quais Os herdeiros da noite (Pinacoteca do Estado de São Paulo/Centro de Cultura de Belo Horizonte-MG, 1995); Mostra do Redescobrimento (São Paulo, 2000) e Negras memórias, memórias de negros (Galeria de Arte SEIS-FIESP-SP, 2001/Museu Histórico Nacional-RJ, 2001/Palácio das Artes, Belo Horizonte/MG, 2003), Além disso, recebeu dezenas de homenagens e prêmios importantes como a Medalha Thomé de Souza/Câmara Municipal (Salvador/BA), recebida em 1995; a condecoração de Honra ao Mérito Cultural, grau de Comendador, Ministério da Cultura, em 1996; título de Dr. Honoris Causa pela Universidade Federal da Bahia, em 1999, entre outros.

“O artista Mestre Didi e “suas obras são como uma união de antiga sabedoria, a expressão viva da continuidade e da permanência histórica da criação de uma nova estética que une o presente ao passado, o antigo ao contemporâneo, a abstração à figuração, formas compostas ora como totens, ora como entrelaçadas curvas (...) suas esculturas, em sua interioridade, são uma relação entre o homem e o sacerdote que detém o espírito íntimo das coisas e de como elas se entrelaçam entre a sabedoria do sagrado e do profano”. Fazendo uso de materiais naturais como búzios, sementes, couro, nervuras e folhas de palmeira, etc., o artista possui uma obra de fôlego inesgotável e que se perpetua em constante renovação”.- Emanoel Araújo

Pintor, gravador, desenhista, ilustrador e artista gráfico. Estudou pintura na Escola Profissional Masculina do Brás, em São Paulo. Projetou-se após a década de 1950 ao ser premiado um prêmio de viagem que o levou à China em 1957. De 1960 a 1968, residiu na União Soviética e absorveu o clima do surrealismo eslavo em voga entre os artistas dissidentes.

Trabalhando a lápis grafite ou a óleo, suas composições são povoadas por alegorias que remetem à Antiguidade e às suas memórias de infância cujas imagens se justapõem a um universo de situações oníricas. Tal universo, segundo o próprio artista, constitui-se de situações vivenciadas, objetos observados e obras admiradas.

Escultor, pintor e gravador. Nasceu em 1922 em Salvador, numa família de poucos recursos, e foi o primeiro de 6 filhos. Cresceu tendo contato íntimo com a religiosidade sincrética afro-brasileira: sua família era católica, e Rubem Valentim fez primeira comunhão, e também frequentava terreiros de candomblé. Com o pai, participava de cerimônias em diversos terreiros de candomblé, tanto da tradição nagô-jeje quanto candomblés de caboclo: o de Tia Maci, no Engenho Velho, o de Mãe Menininha, do Gantois, o de Júlio Branco, no Bate-Folha, e o da Sabina. O artista relatou seu duplo deslumbramento e seu envolvimento estético tanto com o rito afro-brasileiro quanto com a imaginária católica das igrejas, das quais ele se lembrava especialmente dos santos barrocos.

Entre 1946 e 1947 participa do movimento de renovação das artes plásticas na Bahia, com Mario Cravo Júnior (1923), Carlos Bastos (1925) e outros artistas. Em 1953 forma-se em jornalismo pela Universidade da Bahia e publica artigos sobre arte. Reside no Rio de Janeiro entre 1957 e 1963, onde se torna professor assistente de Carlos Cavalcanti no curso de história da arte, no Instituto de Belas Artes. Reside em Roma entre 1963 e 1966, com o prêmio viagem ao exterior, obtido no Salão Nacional de Arte Moderna - SNAM. Em 1966 participa do Festival Mundial de Artes Negras em Dacar, Senegal. Ao retornar ao Brasil, reside em Brasília e leciona pintura no Ateliê Livre do Instituto de Artes da Universidade de Brasília - UnB. Em 1972, faz um mural de mármore para o edifício-sede da Novacap em Brasília, considerado sua primeira obra pública. O crítico de arte Frederico Morais elabora em 1974 o audiovisual A Arte de Rubem Valentim. Em 1979, Valentim realiza escultura de concreto aparente, instalada na Praça da Sé, em São Paulo, definindo-a como o Marco Sincrético da Cultura Afro-Brasileira e, no mesmo ano e é designado, por uma comissão de críticos, para executar cinco medalhões de ouro, prata e bronze, para os quais recria símbolos afro-brasileiros para a Casa da Moeda do Brasil. Em 1998 o Museu de Arte da Moderna da Bahia - MAM/BA inaugura a Sala Especial Rubem Valentim no Parque de Esculturas.

Graduou-se na Escola de Belas Artes da Universidade Federal da Bahia (UFBa), onde em 1956 recebeu o prêmio Menção Honrosa no Salão Baiano de Artes Plásticas. Em 1972, ingressou no corpo docente da Escola de Belas Artes da UFBa, onde lecionou Desenho e Gravura. Em 1977, partiu para os Estados Unidos, tornou-se mestre pela Illinois State University.

Expôs em várias exposições individuais e coletivas, tais como A mão afro-brasileira (Museu de Arte Contemporânea, 1988), Primeira Bienal Nacional da Bahia (1966), Celebração da Cultura Latino-Americana no Museu de Ciência de Buffalo (EUA, 1990), Retrospectiva na Art Gallery of Califórnia State University, Northridge, Califórnia (EUA, 1991), Centro Cultural da Caixa Econômica Federal de Salvador (2000).

Destacou-se através da pintura e gravura, mas dedicou-se a outras técnicas como colagem, litografia e desenho. Sua temática primorosa passa pelas paisagens marinhas, sereias, naturezas mortas, influência de sua terra e da ancestralidade africana.